ニール・ヤングの1976（昭和51）年の初来日公演は３月３日の名古屋皮切りで今日10日と11日が武道館。ぼくは２日目の11日に行った。大学１年の春休みだったなあ。

日本武道館は1964（昭和39）年の東京オリンピックに柔道が正式種目に決定したことを受けて、「天皇陛下からの御下賜金の下、国費と国民の浄財およそ20億円をもって」同年９月に完成、開会式の１週間前の10月３日に開館している。御下賜金が幾らだったかは明かされてはいないようですね。個人情報だよ（笑）。日本が独立国として世界に再登場した1952年（昭和27年）から行われている全国戦没者追悼式は1965（昭和40）年からはここ武道館で８月15日に行われるようになった。武道は神道すなわち戦前は天皇そのものと一体化して理解されていたから、そうした歴史を考えるとちょっと恐ろしいものがある。昨年秋にＮＨＫで放送された「カラーでよみがえる東京　～不死鳥都市の100年～」に登場した作家の杉本苑子は昭和18年の学徒出陣壮行会とその21年後の東京オリンピック開会式のどちらも同じ明治神宮外苑競技場（正確には東京オリンピックの開会式会場は明治神宮外苑競技場が解体され1958（昭和33）年に竣工して昨年に解体された代々木国立競技場）で見たことに触れて「きょうのオリンピックはあの日につながり、あの日もきょうにつながっている。私にはそれがおそろしい。」とコメントしている。それと同質の恐ろしさ。2020年東京オリンピックに向けてここに「新国立競技場」が建設されようとしている。

剣道豆知識というウェブサイトがあって、明治維新で武士脱刀令、廃刀令が相次いで公布され、身分制度も廃止されて武士階級は消滅、府県によっては剣術の稽古そのものを禁ずるところもあり、一般に剣術は時代遅れと罵られ士族階級は生活が困窮して行ったけれども、明治10年の西南戦争の鎮圧に東京警官隊の中から選抜された抜刀隊の大きな働きがあり、これを契機として、警視庁では剣道が見直され、また自由民権運動の全国的な盛り上がりに対処することもあって、奨励されるようになった。明治27年の日清戦争に勝って尚武の精神の横溢していた翌年、武道の総本山として大日本武徳会が設立され、以後太平洋戦争に至るまで、学校における剣道の正課授業、武術教員の養成及び紀元二千六百年奉祝等の天覧試合などを通じて全国に「尚武精神」を広めていった、というわけだ。太平洋戦争では日本刀を用いて敵を斬殺できる場面があったとしても、それは陸上戦で追い詰められて最期の決死の場面でのことだったろうし、「尚武精神」と日本刀の技術も実務上の戦略上の有効性はほとんどなかったということだ、残念ながら。ぼくの子供のころはチャンバラ遊びはまだしていたけれどね。丹下左膳や鞍馬天狗だよ。

ブドーカンは完全に外国ミュージシャンの日本（とグローバル市場）における地位を証明する代名詞になっているけれど、なんと、最初の「外タレ」は1965年７月の日フィルを指揮したレオポルド・ストコフスキーだった。バッハのトッカータとフーガニ短調、ベートーベンの運命などを演奏しているね。聴いてみたいと思い探してみたけれど、廃盤のようで残念。外タレはその後、ビートルズ、ウォーカー・ブラザーズ、モンキーズと続き、1970年代に入るとシカゴ、レッド・ツェッペリン、ディープ・パープル等、大物は「初来日」＝武道館公演という定式が確立した感がある。「人気外タレが武道館」というブランド価値が認識されたことから、西条秀樹を嚆矢（1975年）として日本人ソロ・アーティストも続々とワンマン公演を行うようになって、現在に至る。

さて、ニール・ヤングの初来日公演の模様はそれぞれ海賊版が出ていたことは知っていたが、先ごろ武道館公演のものをウェブで入手。この手の海賊版は日本のオークション・サイトでもよく販売されているけど、何回か購入したことのあるDiscogでも見つけたので、オーダーを入れたらなんと売主は日本人でかつ隣町の在住の人だった。売主さんは買い手が外国とばっかり思って送料を6ドルで決済したのだが、相手は日本人と気が付いて実際の送料との差額を戻してくれた。ありがとう！そうなんですね、中古CDの商売は一定固定額でもらう送料（国内でも普通に350円）が収益源だもんね。

ニールの初来日公演に関する日程感。名古屋、大阪３日、福岡、東京２日の７回の日本公演の後にはオスロ(3/15)、デンマーク(16)、ドイツ(18-20)、パリ(23)、オランダ・ベルゴー（24-26）ロンドン(28-4/4)、グラスゴー(4/2)でユーロ・ジャパンツアー終了。ハマースミス・オデオン（現ハマースミス・アポロ）で４日間連続となったロンドン公演もいい演奏だったと言われているけれども、ファンの間ではツアーの始めとなった日本公演の質の高さには定評がある。

Tell Me Why がオープニングでマーチンD-45がキラキラしてカッコいいなあ、いい音だなあ、ハマリングの箇所もなにげにいろいろ自在でうーん、と感動していたことを思い出すなあ。After the Gold Rush とか日本公演だけで演奏したOnly Love Can Break Your HeartやHeart of Goldなどの過去の人気曲はもちろんカバーしたけれども、多くの最新曲を披露している。このツアーで披露した世界初演10曲のうち半分の５曲が日本公演での披露。その５曲はどんな曲かチェックしよう。Disc１の４曲目のToo Far Gone は幻のアルバムとなってリリースされなかったChrome Dreams(1977) に収録される予定だった曲。６曲目のLet It Shine は半年後の９月に発売されたStills-Young BandのLong May You Runに収録される曲。８曲目のNo One Seems to Knowは未だにアルバムには収録されていないがこのツアーでは殆ど毎回演奏した曲。Disc１最後のLotta LoveはComes A Time(1978)に収録、そしてDisc２の１曲目の永遠の名曲となるLike A Hurricane（American Stars ‘n Bars収録77年６月）。スティーブン・スティルスとのLong May You Runの前、1975年11月のZumaの後というタイミングでの日本・ヨーロッパのツアーだったニールには、1973年暮れに身近な２人（クレージー・ホースの盟友ダニー・ホイッテンDanny WhittenとCSN&Yのローディ（業界用語でツアーの楽器の運送・セッティング等の裏方さん）だったブルース・ベリーBruce Berryのドラッグ中毒死があり、また女優キャリー・スノッドグレスCarrie Snodgress（1945～2004）との間の子供の脳性麻痺のことや、その後の別れやらがあってヘビーな時期であった。ダニーとブルースの死を受け止めるために作ったTonight’s the Night（1973年8月。でもこの作品のあまりの「暗さ」のためにレコード会社のリプリーズが、これは売れないとしてお蔵入りを決断し、２年後にザ・バンドのリック・ダンコの強力な後押しもありリリース。当初は売れなかったけれども今ではニールの最高傑作の一つとして評価が確立している。）を作り、Harvest(1972)の大ヒットが及ぼした余波をなんとかこなし、自分の道を苦労しながら一つ一つ歩んでいる、そんな時期だっただろう。日本公演の質の高さも、そんな時期のニールだったからか。そして今もマイペースで社会問題に切り込むニールの出発点は、この時期の自分の道の模索にあったのかな。このぼくもあれから40歳トシを取りました。ありがとう、ニール。

日本公演ちょっと前にクレージー・ホースに参加したフランク“ポンチョ”サンペドロがローリング・ストーン誌のこの時の武道館公演についてインタビューに答えた記事がある。前年のZumaのレコーディングセッション以来の少しの経験しかニールとはなく、緊張もしていたため武道館の演奏前にアシッドを少しやっていたからさ、ギターを弾くと弦一つ一つの音が８色でそれが床にバウンドして天井に当たるんだよ・・・・

おいおい、フランク、ニールがどれだけドラッグで大事な人を失ってきたか、わかってたのかよ、と言いたくなりますが、フランクはフランクなりに必死だったんだろう。2010年にハワイに移り住んで有機農業をコリアン・アメリカンのチョー先生（チョー先生自身は日本人から習っている）に習って、マンゴーやパパイヤを作って、今やインストラクターになっている、そんなフランクだよ。

Youtube 音源でNeil Young – Yesteryear Of The HorseというＤＶＤ映像がアップされている。２日間の武道館公演とロンドン及びグラスゴーなど欧州の一部音源も加えた１時間ちょっとの編集もの。武道館の音源は37分くらいまで。音も映像もそれなりだけれど、ご覧ください。

ナベサダのラジオ番組は昔からなにがしか聞いてきた。大学に入学と同時にFM東京で深夜０時からやっていたマイ・ディア・ライフは本田竹廣がレギュラーのピアノだったかな、好きだったな。1977年くらいだと思うけどハロルド・ランドHarold Landとブルー・ミッチェルBlue Mitchellが来日したときに共演した回があって、There Is No Greater Love ゼア・イズ・ノー・グレーター・ラブとかスタンダードをばりばりやって、カセットテープに「エアチェック」して長く聞いていた。しまいには、PC時代に入ってからカセットをWAV化してCDに焼いた。なので、今でもテープならば伸びたり切れたりすることもあるけれど、その心配なく聴ける。

現在のナベサダの番組は、渡辺貞夫 Nightly Yours。全国のJFNネットワークで放送されているが、夜中の３時とかからなので、Radikoolなどで録音予約して聴くしかないね。PC用録音ソフトではRadikaが有名で、ぼくも使用していたけれどバージョン・アップしなくなったため、Radikoolに乗り換えた。

先月の新しいミュージシャンを紹介する回で、スタンフォード大卒で統合失調症を患いながら数々の賞を獲得しているトランペットのトム・ハレルTom Harrell、イスラエル出身のコーエン３兄妹のトランペッターのアヴィシャイ・コーエンと同姓同名のベース屋さんの（ややこしいね。日本で言えば鈴木一郎さんのような名前だとか。）アヴィシャイ・コーエンAvishai Cohen、それとブラジル南東部のフォルクローレの土壌とサンバ・ボサノバのが混ざった不思議な雰囲気のジゼリ・ジ・サンチGisele di Santiを紹介。80歳のナベサダは言う。「若いミュージシャンは基本的に＜買う＞。僕らがジャズを始めたときは、ディキシーランドからスウイング、そしてビバップと発展してきていたアメリカン・ジャズ。今は世界が狭くなってカリビアン、ブラジルの音楽や、さらには東南アジア、中近東と世界の伝統音楽をジャズが吸収している。世界のミュージシャンがジャズに影響を受け、ジャズをハプニングしている。」として、ジャズにおける異質のものの出会いが、世界が狭くなったおかげでさらに活発になっている、としたうえで、「若いミュージシャンは評価するが、ミュージシャンシップというべきもの、すなわちセンス、テイストが重要であって、そこにGrooveがあるかどうかが問題だ。」と言っていた。「ミュージシャンが＜雑食化＞して、テイストやセンスが幅広くなってきたということで、ジャズはContemporary Musicというものになったのではないか」

さすが、ナベサダ。伊達に年を取っていない（偉そうにすみません）。センスとかテイストというホンワカした用語を使って話していたけど、ナベサダが言うミュージシャンシップの内容には、ミュージシャンを評価する要素として、技術、経験、音楽の伝統理解、異質なものの対決・止揚、そうしたものから紡ぎだされるオリジナリティといったものが入ってくるのだろう。深いね。

イリアーヌ・イリアスも55歳。ぼくの世代の女性では孫がティーンエージャーでもおかしくないから、大ベテランのジャズ・ピアニストと言っていいだろう。今のダンナのマーク・ジョンソンMarc Johnsonとジョー・ロバーノJoe Lovano(ts)ジョン・スコフィールド(g)John Scofieldジョーイ・バロンJoey Barron(ds)などと作ったShades of Jade(2005)が高い評価を得た。マークは晩年のビル・エバンス・トリオに25歳で加入、ラスト・レコーディングまでビル・エバンスと付き合った人だ。アルバム・タイルでもあるShades of Jadeは、その昔の伝説のビル・エバンス・トリオのベーシスト、スコット・ラファロScott La Faroのジェイド・ヴィジョンJade Visionsに触発されて作った曲だということだ。ジェイド・ヴィジョンズはワルツ・フォー・デビーと同じ日のヴィレッジ・ヴァンガードでのもう一枚のライブ盤Sunday at the Village Vanguardに収められている。ロバーノ、バロンとの2012年のコラボSwept Awayでもイリアーヌと夫婦で参加。

前のダンナのランディ・ブレッカーとの間の娘がAmanda Brecker。ある時期国連のインターナショナル・スクールで唯一フランス人でないフランス語教師として働いていたたらしいが、2008年のデビュー作ヒア・アイ・アムHere I Amは今は亡きスウィング・ジャーナルのゴールドディスク大賞を獲得していたりして、親の七光りだけではない実力を認められている。Linked-in にはマンハッタンの38丁目（８番と９番街の間）にあるCooper & Cooper の不動産エージェントとしての仕事もしている。フィーチャーの営業員ページでのお客さんの評価も上々。マンハッタンのアパートを探すときは頼んだらいいかもね。

セシル・マクロリン・サルヴァントがベスト・ジャズ・ボーカル・アルバムをフォー・ワン・トゥー・ラブFor One To Loveで受賞した！前作Woman Childが2014年のグラミーの同部門にノミネートされて今回２回目での受賞。順調だね。これほどの才能に日本のメディアは鈍感だなあ。ウェブを検索しても、ほとんど動きが見えない。なぜなんだろうか。ま、日本のメディアがどうであれ、この人はいずれさらに磨きをかけたボーカリストになるだろうね。

「フォー・ワン・トゥー・ラブ」のジャケットの絵は自分で書いたもの。絵をコンサート移動の間の息抜き（evacuationと表現しているから、文字通りの意味は「容器などを空にすること」「排出」。頭にたまったイメージを排出する、という感じだね。）に行っている。

今回のグラミーの２部門にノミネートされたインドネシア・バリ島生まれの神童ジャズピアニスト、ジョーイ・アレキサンダー(Joey Alexander)もセンセーションだった。どちらも受賞には至らなかったけれど、ベスト・インプロバイズド・ジャズ・ソロはジャイアント・ステップスGiant Steps（いうまでもなくコルトレーンの）、ベスト・ジャズ・インストルメンタル・アルバムはこの曲を含むマイ・フェイヴァリット・シングズMy Favorite Things。YouTube音源があるから見て聴いてください。カウンターメロディもハーモニーもモチーフ展開もインタープレイもリハーモニゼーションもタイムもフレージングもぜーんぶある。この年でこの全部ができているのは神様からの贈り物だ、と言っているコメントがある。元祖ジャイアント・ステップスのピアノは30歳のときのトミー・フラナガン、別テイクのシダー・ウォルトンだって26歳だよ。聴いたらわかるけれど、たしかに驚異！ベースソロに渡す前の６分30秒から～７分10秒までのソロの充実、４小節交換のアイディアの多様性、うーんすごいぞ。演奏後のニカニカ笑顔がまた可愛いですぞ。この男の子（としか言えないよね）はこれからどんなことになるのだろうか。

この時期に毎年選出されるグラミー賞。「レコード・オブ・ザ・イヤー」から始まって各音楽ジャンル（これがかなり細かい。ルーツ・ミュージックとか、アメリカーナとかアメリカン・ルーツ・ソングとか）と映画、音楽ビデオなんかも含め83ものカテゴリーがあるからとても幅広いものなんだけど、アメリカーナもそうだけど、なじみがなくどういう定義かよくわからないカテゴリーもたくさんある。小澤征爾がオペラ録音部門で『ラヴェル：歌劇《こどもと魔法》』がノミネート８回目で、かつ今まではすべて海外での録音だったが、今回はサイトウ・キネン・フェスティバル松本（2015年にセイジ・オザワ松本フェスティバルに改称）でのまつもと市民芸術館での日本発の録音で初の受賞。食道がんの手術から復帰してすぐの公演だったし、長年地元を挙げて小澤征爾とサイトウ・キネンをサポートしてきた松本市や周辺のみなさんは特に感慨深いものがあるだろうね。小澤征爾が約30年も音楽監督をつとめてきたボストン交響楽団がレジデント・オーケストラのタングルウッド音楽祭のように、松本がジャズ・ポピュラー音楽を含めて広く音楽に親しむことができる音楽の祝祭空間の土地になってほしいね。アメリカのニューイングランド（ニューヨークから北東の各州）の夏の風物詩になっているよね。

本題に戻ろう。

ベスト・ロック・パフォーマンス及びベスト・ロック・ソングでアラバマ・シェイクスAlabama ShakesのDon’t Wanna Fight（ブリちゃーん、最高！）。ベスト・オルタナティブ・ミュージック・アルバムはこの曲を含むサウンド＆カラーSound & Colorが受賞。2012年10月にアラバマ州タスカルーサでニール・ヤングが40年ぶりという公演をした際の前座を務めたことをニュースで知って、おお、面白いやつらだなと思っていて（その直前の8月にニール・ヤングはクレージー・ホースとのしばらくぶりのツアーのこけら落としをコロラド州デンバーで行った際の前座にアラバマ・シェイクスをピックし、この時は３回目だったのは後で知った）、ファーストアルバムをアマゾンで仕入れ、はまっていて、直後の2013年１月の初来日のときに恵比寿のリキッドルームに聴きに行って大満足だった。祝グラミー３部門受賞！

Don’t Wanna Fightの音源は著作権上YouTubeでは見られない（アップしては削除されての繰り返し）からこれをみてください。

タスカルーサって街はアラバマがフランス・スペインの領土からアメリカの州になってしばらく州都だった、由緒正しいところ。現在のアメリカ50州は買収（ルイジアナ州とアラスカ州）や戦争の結果やらでだんだん現在の姿になったもの。アラスカとハワイはつい半世紀前の1959年に正式に州になった。で、タスカルーサにはJVC（日本ビクター）の磁気ディスクの工場があったよな、たしか・・・と調べたら２年前に売却して今は現地資本になっている。80年代後半にジャパン・アズ・ナンバーワンとおだてられた日本企業が我先に生産拠点を「労賃の安く、労組問題もない」南部諸州に置くということで、当時ゼネコンの米国法人に勤務していたこのぼくも、アトランタ、メンフィス、チャタヌーガあたりに仕事に行っていたのでした。各州の経済開発部門が日本企業に対して誘致活動をしていたのでそういうツアーにも参加させてもらって視察をさせてもらったこともある。アラバマ州の北のテネシー州は視察もあり実際にプロジェクトも受注したので、５、６回は出張し、パパブッシュ大統領時代の小泉首相のプレスリー詣でで有名になった旧プレスリー邸グレースランドにも行ったし、140年前から続くと言われている「カモの行進」で有名な老舗ホテルThe Peabodyにも泊まったし、週末にメンフィスからミシシッピ州ジャクソンまでドライブしてディープサウスの雰囲気を味わったりしていた。このあたりの南部はドライ・カウンティ（酒類の購入が曜日・場所で制限されている郡）があり、特に日曜の販売は禁止）が結構あるので、外で買ってホテルの冷蔵庫に入れてテレビの野球中継を見ながら飲むという、普通の欧州の都市（プラス、アメリカのニューヨークや西海岸の都市）でできることができなかったなあ。そういうときに限って、なおさら飲みたくなるんだよねビールは。ポテトチップスで。体に悪いけど。

Peabody Ducks（ピーボディ・ホテルの名物カモの行進）

また、思い出しちゃったけれど、ビクターはアラバマ、今は亡き三洋電機はアーカンソー州だったなあ。ビル・クリントンが州知事だった時代に、三洋がそもそもの進出のきっかけとなったシアーズブランドのテレビ製造（相手先ブランドによるＯＥＭ生産）についてシアーズから取引を切られるということになりアーカンソー東部の工場の閉鎖を検討していた際に、クリントン州知事がアーカンソー生まれの成長小売業者ウォルマートを紹介し、三洋はその後のウォルマートの急成長に乗ってSanyoブランドのテレビやVCRを拡販できた。Sanyoはぼくが住んでいた時代のアメリカでは人気だったな。昔話でした。

なお、タスカルーサにはメルセデス・ベンツの工場があって、生産規模を拡大していて2016年も13億ドルの投資をすると伝えられているから南部での自動車生産の一大拠点になるんだろうね。

カウント・ベイシーにからんだ話になったから、ベイシーとくれば・・・それはもう・・・ジャズ喫茶とオーディオの世界では神殿級になった一ノ関のベイシー。もう10年くらい前に、ぼくは別に「お参り」するようなポジションにもないから単にふらっと田舎に行く際に立ち寄ったわけだけど、たまたま３人の「お参り」していたおじいさんたちが帰っていって、客はぼくだけになったので、素人風にビル・エバンスのワルツ・フォー・デビーをリクエストしたら快くかけてくださって、JBLの能率100デシベルの2220BウーファーなどのシステムでフルA面を堪能し、ぽつりぽつりとお話しをしていたら、スイフティ菅原さんの実家がぼくの実家の隣町で、菅原さんのお爺さんが地元の高名な教育者で、尋常小学校の教師だったぼくの祖母もその方のことを話していたことがあったので、世間は狭いということがわかり楽しい時間を過ごしたのだった。

ベイシーはジャズ・ミュージシャンにとっても当然別格でワン・アンド・オンリーの存在。今年83歳になったナベサダが小さいクラブで演奏するのはまずないのだけれど、ベイシーでは定期的に演奏している。2004年のベイシーでのライブ録音盤ベイシーズ・アット・ナイトBASIE’S AT NIGHTはいいですね。ジャケットに菅原さんがナベサダと「出会った」（ジャズ・レコードには＜リーダーの誰それミーツ共演者としての誰それ＞の「出会った」情景の写真をジャケットにしているものがたくさんあって（マリガン・ミーツ・モンク、ファーマー・メット・グライスなんか有名どころだよね）みんな結構おもしろいのだけど、早稲田ハイソサエティ・オーケストラのドラムだった菅原さんは現時点ではクラブ・オーナーとしての立場であって、ナベサダの共演者ではない、しかし音響へのこだわりやジャズへの愛やいろんなものを含めた特別な存在のクラブ・オーナーと「共演する」、という気持ちが表されていて心温まるものがある。

アニタ・オデイのベイシーライブ盤（1978年７月２日録音）もおすすめです。半月くらい前の６月15日に吉祥寺のサムタイムで同じジョン・プールトリオのバックで演奏した録音があるけれど、ベイシーの録音はアニタもおしゃべり炸裂でノリノリ。菅原さんはアニタをベイシーでのライブの前に石巻に連れていき、熱烈なファンとの出会いとか、ライブ前の練習用のピアノを（本人にはわざわざそうしていることなど知らせず）急きょ仙台からそのファンの自宅へ搬送したり心づくしの対応をして、上機嫌でライブに臨めた結果のゴキゲンのプレイになっている。５曲目のキャンドルライト・アンド・ワインCandlelight & Wineなんかバーなんかでうまく歌える歌手ならとってもイイ感じで。アルフレッド・ハーンドAlfred Harned (1903-1994)という作曲家・アレンジャーでボードビルショーのツアーにも参加していたような人の曲。息子のボブもハワイやフィラデルフィアでミュージシャンをしていた人だけれど親父の楽曲権利の管理会社Pink And Blue Music Publishing Companyを引き継いで経営している。こういう人たちがいるのがアメリカの音楽産業の厚さ広さだよね。

デイブ・ブルーベックについてさらに発見。

50年の著作権が切れてパブリック・ドメインになった音源を、まあまあの音質で８枚組クラシック・アルバムにまとめてくれて１枚分の2000円くらいで買えるイギリスのミュージックメロン社のReal Gone Jazzシリーズ。カウント・ベイシー楽団の看板シンガーの一人だったジミー・ラッシングJimmy Rushing(1901～1972)（Mr.5×5ですね。この人は小柄な人でかつ超太っていたので、タテもヨコも５フィートだというので、ミスター・ファイブ・バイ・ファイブというニックネームだったのですが）との「ブルーベック・アンド・ラッシング」(1960)という共演盤があるのは知らなかった。オールド・ベイシー時代（第二次大戦後はニュー・ベイシーと区分するのが普通です）のスウィング全盛時代のヒットBlues in the Darkをやっていて、いいねえ。

ベイシー時代はこれ

You can depend on me もゴキゲンなナンバー。これは極め付け名演Count Basie (p), Shad Collins (tp),Lester Young (ts) Freddie Green (g), Walter Page (b), Jo Jones(ds), Jimmy Rushing (voc).

ベイシー楽団時代の名演を集めたJimmy Rushing with Count Basie and His Orchestra: 1938-1945にも当然入っています。

ジミー・ラッシングとの共演盤の頃のブルーベックはポール・デズメンドではなくミヨーの弟子仲間の盟友ビル・スミス(cl)がパリ音楽院、ローマで音楽の研究をしていた時期にスミスの曲の作品をThe Riddle (1960)、Brubeck a la Mode (1960)とNear Myth(1961)の3枚作っている。最初のThe Riddleは全体として中途半端でバランスが悪い感じだけれど他の２枚はどちらもいい。おすすめです。２枚目は「ア・ラ・モード」に引っ掛けているけれど、モード奏法を取り入れるなど意欲的。ブルーベックは２曲目Bach An’allで対位法フレーズを入れたり、ジョー・モレロがピアノ鍵盤をティンパニで叩いたり、ビル・スミスもミュート・アルトを使ったり、適度にアグレッシブでありかつスイングする。

ダリウス・ミヨーの三題話、じゃなくて「三代話」みたいになったけど、ブルーベックがミヨーの弟子だったことは知っていたので、改めて復習と新しい知識を得ようと思う。４歳で母親からクラシック・ピアノを習ったが、父親を手伝いストックトン（日系人の多い土地ですちなみに。ブルーベックは自分のカリフォルニアの家はかなりオリエンタル風だったと言ってる。）の農場に引っ越し、パシフィック・カレッジに入学し獣医師になろうとしたが、教師がお前は音楽に向いているとして、音楽学部に転部。斜視で目が悪く、楽譜が読めなかったため追い出されそうになるものの、対位法や和声では群を抜いているとした教師の応援もあり、音楽教師にはならないと約束させ（学校側は「スキャンダルを恐れて」ということだけど、ひどいもんだ）1942年に卒業。

カレッジを卒業後、陸軍に入隊、1944年にはパットン将軍率いる北フランス戦線に出征。映画にもなった1944年暮れから1945年正月にかけての米軍主体の連合軍対ナチス国防軍のバルジの戦いですね。現地の赤十字でピアノを弾き、目をかけてくれた上官によって最前線での戦闘を免除してもらう。芸は身を助くだね。前線の軍楽隊で演奏しているころにポール・デズモンドと出会う。

1946年に大学に戻り（例のGIビル（復員兵援護法）で軍隊から復員すると大学などの授業料を国が負担してくれて学べる。ジョン・コルトレーンもこの制度を利用してますね。）オークランドにあるミルズ・カレッジMills Collegeでダリウス・ミヨーについて学ぶ。お兄さんのハワードがミヨーのアシスタントだったこともあっただろうね。（おお、今のミルズ・カレッジの音楽学部教授はロスコー・ミッチェルRoscoe Mitchellだよ！アート・アンサンブル・オブ・シカゴの！）ミルズ・カレッジ卒業後、カル・ジェイダーCal Tjaderとのトリオ、ミルズ・カレッジのミヨー弟子仲間のBill Smithなどで結成したオクテットなどで数年演奏、1951年にポール・デズモンドとカルテットを結成。サンフランシスコのブラック・ホークでの演奏、大学キャンパスでのコンサート（オバーリン大学などが有名です。Jazz at Oberlin）で評価を確立、という流れです。タイム誌の表紙を飾るというのは名声の頂点を象徴するわけだけど、1954年にブルーベックはジャズマンでルイ・アームストロング(1949年)に次いで２人目の栄誉に輝いた。その後ブルーベック・デズモンドのチームで世界的に知られるようになり、中でも変拍子のテイク・ファイブ（5/4拍子、ブルー・ロンド・ア・ラ・ターク（トルコ風のブルーな輪舞曲、ですか）は（9/8拍子）を含むタイムアウトTime Out(1959)はジャズのレコードで初めて百万枚のセールを達成した。

ブルーベックの師ミヨーへの感謝と尊敬は、長男にダリウスと名付けたことでも知れるけれども、ミヨーはブルーベックに「ジャズはアメリカの風土に根差した音楽だろう？生涯ジャズを続けなさい」と励まされた。前回のポストで、ミヨーの世界遍歴（といっても基本は欧州・南北アメリカだけど）で自らの音楽を豊かにしたことについて触れたけれど、その土地に根差した心の音楽というのがあるのだ、その音楽に耳を傾けよということを教えた。実際にブルーベックは４枚の「どこそこのジャズによる印象」をレコードにまとめて発表している。選んだ国・地域はU.S.A.、ユーラシア、日本、ニューヨーク。日本には1964年春に来日、その印象をJazz Impressions of Japan(1964)という作品にまとめている。ジャケットがいいね。歌川広重の東海道五拾三次庄野白雨に似た雨の描画だけれどちょっと違うね。誰か知ってたら教えてください。この日本の印象アルバムは2001年にリイシューされるまで長く廃盤になっていた。

オープニング・チューンのトーキョー・トラフィックTokyo Traffic は羽田に到着して警察に先導してもらって都心に向かう道路のクレージーな混雑状況が第一の印象だったとしていて、中国風のドラが使われていたりしてクリシェのところもあるけれど歯切れのいいナンバー。３曲目のフジヤマFujiyamaも印象的なメロディ（レッド・ツェッペリンLed Zeppellin の天国への階段Stairway to Heaven のもとになっているというハナシもあるようだけど。うーん確かにそんな感じもするなあ）。ラストのコト・ソングKoto Songは東京、名古屋の公演後に京都で休んだ際に聴いた「２人のジャパニーズガール」の演奏からインスパイアされたもの。全般にクオリティは高いです。

その後大阪公演を終えて羽田に飛んで数時間のトランジットで香港へ。香港からカリフォルニア・ニューヨーク公演のためにアメリカにとんぼ返り、その後１日２回10日間の英国公演。すごいね。

恵比寿の日仏会館でたまにやる、作曲家のおさらい的レクチャー・コンサートはその作曲家の研究や演奏の先達が行うこともあり、よく行くイベント。今回は「ダリウス・ミヨーとその音楽の魅力」。音楽評論家の野平多美さんがレクチャー、夫君の野平一郎さんがピアノ、ヴィオラの第一人者川本嘉子さんも参加して、というなかなか豪華なものになった。

1974年にこの世を去ったダリウス・ミヨー。徴兵年齢に達していたフランスの男性の半分が戦死したと言われている、人類始まって以来の災厄となった第一次大戦後に、フランシス・プーランク、ジョルジュ・オーリックなどと印象派に代わる新しいフランス音楽を担う若手「６人組」としてパリの音楽シーンに登場していた。若いころから慕っていた郷里の詩人フランシス・ジャムの計らいで詩人・外交官ポール・クローデルに私淑。（クローデルは大正10(1921)年から約５年は駐日フランス大使。ロダンとの愛が有名なカミーユ・クローデルは４歳上のお姉さん。映画にもなりましたね。）第一次世界大戦下の1917年にはブラジルの文化大使となったクローデルに誘われて秘書としてブラジルに同行。フランスへの帰途の途中にニューヨークのハーレムでジャズも聴いている。このときの経験が、対位法、西欧中世のポリトーナル（多調）の基盤に加え、ミヨーの音楽にブラジルの音楽（ブラジルのショパンと言われるナザレーの演奏に触発され、ショーロやタンゴの旋律を引用して作った「ブラジルの憂愁」やアメリカのジャズ（アルトサックスのソロを室内楽の編成でジャズオーケストラの作品とし、パリの1923年の初演時には大酷評（！）された「世界の創造」）と彩りとリズムを与えた。1923年のパリはまだジャズが輸入された直後だったから先進的過ぎたんだろうね。

ミヨーは南仏の自然を愛し、気持ちの優しい、誠実で誰にでも穏やかに接する人間だったといわれている。2008年に105歳で大往生を遂げた奥さんのマドレーヌはいとこだったため（結婚前も結婚後もマドレーヌ・ミヨー！）、ミヨーが子供のときからのいろんなエピソードを残してくれている（注）。ミヨーの生家はアーモンドの輸入業者で、家は出入りする運送業者や商人たち、車や機械のいろんな「豊かな音」に満ちていたこと。ユダヤ人だったミヨーがナチス・ドイツの危険から逃れるためにリスボン経由アメリカに逃れたときも、入国ヴィザにおける制限事項として財産を持って入国してはいけないという条件を「文字通り」に理解し一文無しの状態でニューヨークに渡ったため、翌日から音楽を演奏するなどして移動資金を手に入れなければならなかったこと。西海岸までレンタカーしてトンデモ珍道中だったこと、など。それでも誰にでも好かれる性格も幸いしてか、西海岸のミルズ・カレッジでの教師の職を友人が見つけてくれて、第二次大戦終結の1946年に帰国しパリ音楽院の作曲家教授に就任してからもミルズ・カレッジでの教授を継続しデイブ・ブルーベックやバート・バカラックら多くのアメリカ人作曲家・ミュージシャンを育てた。

2014年に没後40周年を記念して、ダリウス・ミヨー没後40年記念ボックス（10CD）が発売となって、お得にいろんな作品に接することができる。野平・川本デュオの熱演は素晴らしいものだったので多くの人とシェアできないのは残念だけれど、当日の演目「第２ソナタ」と「４つの顔」（このアルメニア人のホブハニシアンの演奏もいいね。最初のLa CalifornienneとラストのLa Parisienneが特に素晴らしい）、それとこれもぼくの好きな「ブラジルの憂愁」(サウダージ！です)を、YouTube音源から。「ブラジルの憂愁」のブラトキは子供の時からの先天的な病気で白内障となりそのハンディを公にしないで若い頃から世界各地で演奏していたが、44歳で手術が成功して視力を回復した、という人。

「ブラジルの郷愁」Saudade do Brasil Op.67(1920) Marcelo Bratke(p)

「第２ソナタ」ヴィオラとピアノのためのOp.244 (1944)Tomas Tichauer(vla), Barbara Civita(p)

「４つの顔」Op.238 (1943) Gor Hovhannisyan(vla), Gary Kirkpatrick(p)

（注）Conversations With Madeleine Milhaud: Roger Nichols (1996)。この本の６年後の102歳（！）のときのインタビュー映像もあるので、興味がある方はどうぞ。これ。

このバレンタイン・デー・ウィークエンドにニューヨークのリンカーンセンターで公演していたセシル・マクロリン・サルヴァント。1989年マイアミ生まれ。８歳でマイアミ合唱協会で歌い始め、2007年には法律を学ぶためにフランスのエクサンプロバンスに移るが、同時にミヨー音楽院にも顔を出してジャズも勉強して、あれよあれよという間に2010年、最近はジャズ・ミュージシャンの登竜門として確立した感のあるセロニアス・モンク・コンペティションで優勝。父はハイチ人の医師、母はグアドループ出身のフランス系混血。

３年くらい前のニューヨーク・タイムズ紙にセシルの紹介記事があったのでおさらいしてみた。昨年の最新作「フォー・ワン・トゥ・ラヴ」For One to Love発表後のユニオン・スクウェアのJazz Standardでのギグ（8月末）の批評記事も併せて参考にした。誰が彼女の才能を見つけたのか興味があるし。両親の祖国とマイアミという環境はいわゆるジャズの伝統的COEであるニューヨークとも現在の欧州COEのイタリアでも北欧でもない。クレオール的なもの（混血志向）があるのかなというカン。

ミヨー音楽院のジャズ教師のジャン・フランソワ・ボネル（sax.cl）になんか歌ってみろと言われ、Body and Soul を披露したところ、ボネルが彼女の才能を見抜いた。サラ・ボーンのBrazilian Romanceは母親が家でかけていたため諳んじていたけれども他の先人たち、ビリー・ホリディもエラもベッシー・スミスも知らなかったため、先生はこうした先人たちの音楽を教え込み、４か月後には地元 エクサンプロバンスで最初のギグ。

彼女のマネジメントを行っているエド・アレンデルという人が、顧客は他にウイントン・マーサリスだけだ、というのが弱冠26歳だというセシルのすごさを物語る。マネジメントを行う人＝マネジャーなんだけれど、マネジメントの巧拙（プラス運もあるが）でミュージシャンもアーチストもせっかくの才能を発揮できないまま埋もれてしまうことも多いだろうし。

ニューヨーク・タイムズ前述記事は、「音楽的才能がある若いミュージシャンの成長の尺度はものまねをいかに抑えられるかという点にあって、サラ・ボーンのように、ビリー・ホリディのように歌えることに全く問題はないのだが、彼女の他のミュージシャンと違うところは、まったく別の路線からジャズに来ていること。昨年の最高の音楽は英国のジョージ・ベンジャミンの歌劇Written on Skinリトゥン・オン・スキンだという。」（このオペラは2012年エクサンプロバンス音楽祭で初演され全欧で評判となったもの。従来のオペラの境界を拡大した意欲作とされている。）ははーん、やっぱりね。

上記最新作を聞いてみる。あ、サラ・ボーン、お、ビリー・ホリディという瞬間瞬間があるけれども、そのうちそれだけではない力強いもの、たおやかなもの、いろんな表現が一つ一つ軽々と広々とデリバーされているのかな。ニューヨーク・タイムズのshe’s too good not to get better.という評価がまったく妥当なものだということがわかる。ダリウス・ミヨー、フランシス・ジャムを生んだエクサンプロバンスの開放性と、自分のハイチ、グアドループというクレオールの（カリビアンにはコロンブスの新大陸「発見」当時からの歴史的背景から現在でも英、仏、蘭などの海外県・領土があり、住んでいる人たちはこうしたフランス人やオランダ人と現地人（現地人自体がアフリカや他のカリビアン諸国から連れて来られた人たちとの混血）との混血なので初めから、いろいろなものを「混血」していくことに慣れているのか。最新作でもう一つうれしい驚きはバルバラ（1930~1997）の名曲Le Mal de Vivreを歌っていること。

この名曲は、大学で仏文を勉強したフランコフォル・アメリカンのステーシー・ケントも全曲フランス語のアルバムRaconte-Moi(2010)に収録。

セシルはまだ27歳。すでにすごいけれども、これからさらにどんなすごさを身に着けていくのかなこのシンガーは。